Les bienfaits de jouer dans un groupe — ce que cela vous apprend sur la musique
Les principaux bienfaits de jouer dans un groupe sont musicaux. Dans un groupe, vous apprenez à tenir le tempo avec d’autres personnes plutôt qu’avec un métronome, à tenir un seul rôle dans un son partagé par plusieurs instruments, souvent en jouant moins, à écouter tous les autres pendant que vous jouez, à savoir à chaque instant où vous en êtes dans le morceau, à apprendre des chansons à l’oreille et à les transposer dans la tonalité du chanteur, et à continuer après une erreur. Le travail en solo ne peut enseigner pleinement aucune de ces choses, car chacune dépend de quelqu’un d’autre qui joue en même temps. Le côté social est réel lui aussi, et il vient plus bas.
Pourquoi ne peut-on pas apprendre tout cela en travaillant seul ?
Travailler seul entraîne ce que vous savez faire avec vos propres mains : les notes, la technique, la lecture, le répertoire. Un groupe entraîne la façon dont votre jeu s’accorde avec celui de quelqu’un d’autre, et c’est une compétence à part. Un enregistrement ne vous attend pas, un métronome ne réagit pas à ce que vous faites, et ni l’un ni l’autre ne change quand vous jouez plus fort ou entrez en retard. Les autres musiciens, si. L’essentiel de ce qu’enseigne un groupe est une réponse à cela.
Tenir le tempo avec des gens, pas avec un métronome
Un métronome est parfaitement régulier et n’écoute jamais. Un groupe n’est jamais parfaitement régulier, et tout le monde y écoute. Tenir le tempo dans un groupe, c’est s’accorder, d’instant en instant, avec les personnes autour de vous sur l’endroit où se trouve le temps.
Dans la plupart des groupes, la référence est le batteur, et le bassiste se cale sur le batteur. Dans une grande partie de la pop, du rock et du funk, les notes de basse tombent en même temps que la grosse caisse, si bien que les deux sonnent comme un seul instrument au bas du groupe. Tous les autres écoutent ce duo. Quand il n’y a pas de batteur, c’est généralement la basse ou la guitare rythmique qui prend ce rôle.
La règle qui en découle est simple : quand le groupe et le batteur ne sont pas d’accord, suivez le batteur, même s’il dérive. Un groupe entier un peu trop rapide sonne toujours comme un groupe. Un groupe partagé entre deux tempos sonne comme une erreur.
Travailler avec un clic reste important. C’est ainsi que vous découvrez si vous pressez ou traînez, et une tendance régulière dans un sens ou dans l’autre est plus facile à corriger qu’une mise en place dispersée. Ce que le clic ne peut pas vous donner, c’est l’expérience de vous ajuster à une personne, et c’est l’essentiel de ce que les musiciens entendent par jouer ensemble, ou par un groupe qui groove.
Chaque instrument a un rôle
Seul, vous jouez tout : au piano, la note de basse, l’accord et la mélodie à la fois. Dans un groupe, ces rôles sont répartis, et chacun appartient à quelqu’un.
- La batterie tient le temps et marque la forme du morceau.
- La basse tient le bas. Elle joue généralement la fondamentale de chaque accord, la note qui donne son nom à l’accord. La note à la basse décide de la sonorité de tout l’accord : mettez une autre note sous le même accord et il devient un renversement, ou un tout autre accord.
- La guitare et le clavier remplissent l’harmonie : les accords, joués de façon rythmique.
- Le chanteur, ou un instrument soliste, porte la mélodie.
La leçon qui surprend le plus de gens, c’est que trouver sa place veut généralement dire jouer moins. Un pianiste qui continue à jouer des notes de basse à la main gauche double le bassiste, ou se heurte à lui chaque fois qu’ils ne sont pas d’accord. Une guitare et un clavier qui grattent des accords complets dans le même registre se fondent en un seul son brouillon. La solution habituelle est de se partager l’espace : le clavier laisse les graves à la basse et joue moins de notes, plus haut ; une guitare joue les accords pendant que l’autre joue une courte figure répétée. Les instruments partagent beaucoup des mêmes notes, donc dans un groupe on les distingue par le registre, le rythme et le son, et chaque musicien doit laisser de la place aux autres.
Écouter en jouant — nuances et espace
Dans un groupe, vous devez entendre l’ensemble du son tout en produisant votre propre partie, et vous ajuster au fur et à mesure.
Les nuances, c’est le volume, fort ou doux, auquel vous jouez. Beaucoup de chansons sont plus calmes dans le couplet et plus pleines dans le refrain, et un groupe n’y parvient que si tout le monde bouge ensemble. Si un musicien reste à plein volume, il n’y a aucun changement à entendre.
L’espace, c’est ce que vous laissez de côté. Pendant que le chanteur chante, les autres instruments restent généralement en retrait ; une courte ligne mélodique, appelée un fill, se glisse dans les trous entre les phrases chantées. Si vous jouez sans arrêt, on n’entend pas les parties qui comptent.
Le test : entendez-vous le chanteur pendant que vous jouez ? Sinon, vous jouez probablement trop fort ou trop chargé.
Savoir où vous en êtes dans le morceau
Seul, vous pouvez vous arrêter, perdre le fil et recommencer. Dans un groupe, le morceau continue d’avancer, et tout le monde doit changer d’accord au même moment. Cela veut dire connaître la forme : l’ordre des sections et la durée de chacune.
Les musiciens y arrivent en comptant les mesures. Beaucoup de sections de pop durent quatre ou huit mesures, donc vous comptez les mesures à l’intérieur d’une section comme vous comptez les temps à l’intérieur d’une mesure. Un roulement de batterie marque souvent la fin d’une section, et un signe de tête ou un regard indique au groupe quand passer au refrain ou à la fin.
Le blues de douze mesures en est l’exemple le plus clair. Ses accords suivent un plan fixe, I–I–I–I, IV–IV–I–I, V–IV–I–V, si bien que tout le monde dans la salle sait où en sont les autres sans dire un mot, et deux musiciens qui ne se sont jamais rencontrés peuvent jouer un blues ensemble.
Apprendre des chansons à l’oreille, et les transposer dans la tonalité du chanteur
Les groupes travaillent souvent à partir d’un enregistrement plutôt que d’une partition. Quelqu’un dit « on fait celle-là », et vous apprenez votre partie en écoutant : trouver la tonalité, suivre la basse, relever les accords. Chaque chanson apprise ainsi rend la suivante plus rapide, car les mêmes tonalités et les mêmes progressions reviennent sans cesse.
Ensuite, la chanson est souvent dans une tonalité qui ne convient pas à votre chanteur. Chaque voix a une zone confortable, sa tessiture, plus étroite que son étendue complète. Une chanson pensée pour le chanteur d’origine peut être trop aiguë ou trop grave pour le vôtre, alors le groupe déplace tout le morceau vers le haut ou vers le bas : il le transpose.
Transposer est bien plus facile si vous pensez les accords en chiffres plutôt qu’en noms de notes. I–V–vi–IV en Do majeur, c’est Do, Sol, La mineur, Fa. Montée de deux demi-tons, en Ré majeur, la même progression devient Ré, La, Si mineur, Sol. Les chiffres restent les mêmes, seuls les noms changent. À la guitare, un capodastre fait la même chose mécaniquement : avec un capodastre à la deuxième case, les formes de Do majeur sonnent en Ré majeur.
Faire une erreur sans s’arrêter
Seul, une erreur est une raison de s’arrêter pour la corriger. Dans un groupe, s’arrêter est la pire erreur, car le morceau continue sans vous et vous devez retrouver votre chemin pendant qu’il avance.
Alors vous prenez l’habitude du groupe : lâchez la fausse note, continuez à compter, et revenez sur le prochain premier temps, ou au prochain changement d’accord. Une fausse note qui passe en mesure n’est souvent même pas remarquée. Un musicien qui s’arrête et recommence l’est toujours. Les musiciens qui jouent avec d’autres apprennent à se rattraper vite, parce que c’est la seule façon d’arriver au bout du morceau.
Et les bienfaits sociaux ?
Ils sont réels, et ce sont aussi ceux auxquels on s’attend. Vous faites de la musique avec des amis. Vous avez un moment fixe chaque semaine pour jouer. Une répétition le jeudi est une raison de travailler le mercredi, parce que d’autres comptent sur vous pour connaître votre partie. Un concert, même petit, donne un but au travail.
Cet article ne reprend pas les affirmations sur ce que les groupes font au cerveau ou à la confiance en soi. Elles arrivent souvent sans source. Les bienfaits musicaux ci-dessus n’en ont pas besoin : vous pouvez les entendre se produire dès la première répétition.
Comment commencer si vous n’êtes pas encore assez bon ?
Ce qu’un groupe attend d’abord de vous, c’est un tempo régulier et de savoir où vous en êtes dans le morceau, et cela dépend moins de la technique qu’on pourrait le croire. Un débutant qui joue trois accords en place est plus utile qu’un musicien rapide qui presse. Quelques façons de commencer :
- Jouez par-dessus des enregistrements. Cela ne remplace pas de vraies personnes, car l’enregistrement ne vous attendra pas. Mais cela vous entraîne à continuer, à suivre la forme et à caler votre partie sous celle de quelqu’un d’autre.
- Jouez avec un ami. Une guitare et une voix, ou un clavier et une basse, c’est déjà un groupe. Choisissez deux ou trois chansons que vous connaissez tous les deux, mettez-vous d’accord sur la tonalité, et jouez-les du début à la fin sans vous arrêter.
- Rejoignez un ensemble amateur. Les chorales, les harmonies et fanfares locales, les groupes d’école ou de paroisse et les ensembles pour adultes en apprentissage accueillent souvent des gens qui apprennent encore, et la musique est choisie pour le groupe.
- Allez à une jam session ou à une scène ouverte. Beaucoup de jam sessions reposent sur des formes partagées comme le blues de douze mesures, donc connaître cette forme et quelques progressions courantes vous permet de tenir sur un nombre étonnant de morceaux.
Quoi travailler avant votre première répétition
Trois compétences se transposent directement dans un groupe.
- Un tempo régulier. La leçon sur les bases du rythme explique la pulsation, la mesure et le comptage. L’exercice Taper le rythme montre si vous pressez ou traînez.
- Les progressions courantes en chiffres. La leçon sur les progressions que tout le monde utilise couvre I–V–vi–IV, ii–V–I et le blues de douze mesures, les schémas que vous rencontrerez dans presque toutes les jams, et explique pourquoi les chiffres comptent plus que les noms des accords.
- Étendue et tessiture. La leçon sur l’étendue et la tessiture explique pourquoi une chanson peut convenir à un chanteur et pas à un autre, ce qui est la raison pour laquelle les groupes transposent.