10 films sur la musique à voir, et ce que chacun enseigne
Les dix meilleurs films sur la musique à voir, si vous voulez en ressortir en comprenant un peu mieux la musique, sont La Mélodie du bonheur (1965), Amadeus (1984), This Is Spinal Tap (1984), Bird (1988), Rock Academy (2003), Once (2007), 20 Feet from Stardom (2013), Whiplash (2014), Sound of Metal (2019) et Tár (2022). Le critère n’est ni le box-office ni les récompenses. Chaque film montre une chose vraie sur le fonctionnement de la musique, comme le tempo, l’harmonie, l’écoute ou le jeu à plusieurs, et chacun s’accompagne d’une leçon de ce site où vous pouvez travailler cette chose.
La Mélodie du bonheur (1965) : une mélodie est une promenade dans une gamme
Réalisé par Robert Wise. Dans « Do-Re-Mi », Maria, la gouvernante, apprend à chanter aux enfants von Trapp avec une leçon de gamme. Dans la version originale, les syllabes montent la gamme majeure degré par degré, de Do jusqu’à Ti, puis redescendent à Do. Ensuite, la chanson les réarrange en de nouveaux airs, et c’est là le vrai propos : une mélodie est un chemin à travers les degrés d’une gamme. C’est le do mobile, où Do est la note, quelle qu’elle soit, que la chanson traite comme sa maison ; dans les pays du do fixe, comme la France, Do désigne toujours la même note. Le film s’inspire librement de la véritable famille von Trapp et modifie beaucoup son histoire. La leçon sur les gammes construit le même schéma de sept degrés à partir de n’importe quelle note de départ.
Amadeus (1984) : composer commence dans l’oreille
Réalisé par Miloš Forman, d’après la pièce de Peter Shaffer. Antonio Salieri, compositeur de cour à succès, raconte comment il a compris que la musique du jeune Mozart était meilleure que la sienne. La rivalité est romancée : rien ne prouve que Salieri ait fait du tort à Mozart, et l’image d’un Mozart écrivant une musique achevée sans brouillon relève de la légende, puisque ses esquisses nous sont parvenues. Ce que le film montre juste, c’est ce dont une oreille entraînée est capable. Vers la fin, Mozart dicte un mouvement de son Requiem partie par partie, la basse, les voix, l’orchestre, pendant que Salieri l’écrit. Les deux hommes entendent une musique qui ne sonne pas encore et la transforment en notes sur le papier : la formation de l’oreille à son point extrême. La leçon de formation de l’oreille commence là où tout le monde commence, en distinguant deux intervalles.
This Is Spinal Tap (1984) : un bouton ne rend pas un son plus fort
Réalisé par Rob Reiner. Un « documenteur », un faux documentaire sur un groupe britannique de heavy metal fictif en tournée désastreuse aux États-Unis. Sa blague la plus célèbre porte sur le son : le guitariste montre fièrement un ampli dont les boutons montent jusqu’à onze au lieu de dix, persuadé que cela le rend plus fort. Ce n’est pas le cas. Les chiffres sur un bouton sont des étiquettes. L’intensité dépend de l’amplitude de la vibration, de la distance sur laquelle le haut-parleur déplace réellement l’air. La leçon sur le son et ses propriétés distingue l’intensité de la hauteur et du timbre, les trois choses que possède tout son.
Bird (1988) : l’improvisation suit les accords
Réalisé par Clint Eastwood, avec Forest Whitaker dans le rôle de Charlie Parker, le saxophoniste alto qui a contribué à créer le bebop dans les années 1940 avec Dizzy Gillespie et d’autres. Une grande partie du drame porte sur l’addiction de Parker plutôt que sur son jeu. Ce que le film montre, de club en club, c’est l’improvisation comme un savoir-faire qui a ses règles : un soliste bebop invente une mélodie sur le moment, sur une grille d’accords que tout le groupe connaît. Beaucoup de morceaux bebop sont eux-mêmes de nouvelles mélodies écrites sur les accords de chansons existantes. La colonne vertébrale de ces progressions est le ii–V–I, l’enchaînement que la leçon sur les progressions que tout le monde utilise présente comme celui sur lequel le jazz est bâti. Improviser dessus commence par entendre où va chaque accord.
Rock Academy (2003) : un groupe est un ensemble de rôles
Réalisé par Richard Linklater. Jack Black joue un guitariste de rock raté qui se fait passer pour un professeur remplaçant et transforme sa classe d’écoliers en groupe. C’est une comédie sans aucune prétention au réalisme, mais elle voit juste sur un point : un groupe, ce n’est pas tout le monde qui joue l’air, c’est un ensemble de rôles. La batterie et la basse tiennent le temps et le bas de l’harmonie, les guitares et les claviers remplissent les accords, les chanteurs portent la mélodie. Cela ne fonctionne que si chaque partie repose sur la même pulsation, le sujet de la leçon sur les bases du rythme.
Once (2007) : les chansons voyagent sous forme d’accords et d’une mélodie
Réalisé par John Carney. Un musicien de rue de Dublin et une pianiste tchèque se rencontrent et, en quelques jours, écrivent et enregistrent des chansons ensemble. Les deux interprètes principaux, Glen Hansard et Markéta Irglová, sont des musiciens qui ont écrit les chansons eux-mêmes. Regardez la scène du magasin de musique : il lui montre une de ses chansons, elle suit les accords au piano, et bientôt ils la chantent à deux voix. C’est ainsi que la plupart des chansons passent d’un musicien à l’autre : une courte boucle d’accords avec une mélodie par-dessus, pas une partition. La leçon sur les progressions que tout le monde utilise décortique les trois boucles qui font le plus de travail.
20 Feet from Stardom (2013) : l’harmonie, c’est tenir sa propre note
Réalisé par Morgan Neville. Un documentaire sur les choristes, les voix derrière le chanteur principal sur des disques célèbres, parmi lesquelles Darlene Love, Merry Clayton et Lisa Fischer ; l’une de ses histoires est celle de la voix de Clayton sur « Gimme Shelter » des Rolling Stones. Le métier de choriste, c’est l’harmonie : chanter une autre note que la voix principale, souvent une tierce au-dessus ou en dessous, et tenir cette note pendant que la mélodie tire ailleurs. C’est l’écoute des intervalles pratiquée en direct. La leçon de formation de l’oreille commence par la tierce majeure face à la tierce mineure, et la leçon pour chanter un intervalle vous demande d’en chanter un.
Whiplash (2014) : presser ou traîner
Réalisé par Damien Chazelle. Un jeune batteur de jazz, dans un conservatoire, joue sous la direction d’un chef d’orchestre tyrannique, et le film suit jusqu’où il est prêt à aller pour devenir grand. La cruauté fait partie du drame, ce n’est pas une méthode d’enseignement. Retenez plutôt son oreille pour le temps. Le chef interrompt les répétitions pour des erreurs minuscules et exige de savoir si le batteur pressait ou traînait, s’il était en avance ou en retard sur le temps. Ce sont les deux directions que prend toute erreur de mise en place, et connaître la vôtre est le premier pas pour la corriger. L’exercice Taper le rythme et le laboratoire du métronome vous disent tous les deux si vos frappes tombent trop tôt ou trop tard : la même question, sans les cris.
Sound of Metal (2019) : le son est une vibration avant d’être entendu
Réalisé par Darius Marder. Riz Ahmed joue Ruben, batteur d’un duo de metal bruyant, qui perd soudain la plus grande partie de son audition. Le travail sur le son est la leçon : il alterne sans cesse entre ce que l’on entend dans la pièce et ce que Ruben entend, étouffé et lointain, si bien que le spectateur perd le son avec lui. Le son est une vibration qui se propage dans l’air avant d’être quoi que ce soit que vous entendez, et l’audition n’est que la manière dont le corps la reçoit. La leçon sur le son et ses propriétés commence là, avec quelque chose qui vibre.
Tár (2022) : à quoi servent les mains d’un chef d’orchestre
Réalisé par Todd Field. Cate Blanchett joue Lydia Tár, cheffe principale d’un grand orchestre berlinois, qui se prépare à enregistrer la Cinquième Symphonie de Mahler pendant que sa vie se défait. Tár est un personnage fictif, placé au milieu de noms réels et de musique réelle. Regardez les répétitions pour voir ce que fait un chef : donner le tempo avant que quiconque ne joue, montrer où commence chaque mesure, et façonner l’intensité et la vitesse de chaque passage. Dans toutes les battues usuelles, le premier temps est un geste vers le bas, le temps fort, et le dernier temps remonte vers la mesure suivante, la levée, pour que cent musiciens puissent voir où ils en sont. La leçon sur les bases du rythme explique ce qu’est une mesure et pourquoi le premier temps est celui que l’on sent.
Quoi travailler après le film
- Tenir le tempo (Whiplash, Rock Academy, Tár) : la leçon sur les bases du rythme, puis l’exercice Taper le rythme.
- Entendre les intervalles et l’harmonie (Amadeus, 20 Feet from Stardom) : la leçon de formation de l’oreille.
- Les progressions d’accords et l’improvisation (Bird, Once) : la leçon sur les progressions que tout le monde utilise.
- Ce qu’est physiquement le son (This Is Spinal Tap, Sound of Metal) : la leçon sur le son et ses propriétés.
- Les gammes et la mélodie (La Mélodie du bonheur) : la leçon sur les gammes.