10 filmów o muzyce, które warto obejrzeć — i czego uczy każdy z nich
Dziesięć najlepszych filmów o muzyce do obejrzenia, jeśli chcesz po seansie rozumieć muzykę choć trochę lepiej, to Dźwięki muzyki (1965), Amadeusz (1984), Oto Spinal Tap (1984), Bird (1988), Szkoła rocka (2003), Once (2007), O krok od sławy (2013), Whiplash (2014), Sound of Metal (2019) i Tár (2022). Kryterium nie są wpływy z biletów ani nagrody. Każdy z tych filmów pokazuje jedną prawdziwą rzecz o tym, jak działa muzyka — tempo, harmonię, słyszenie albo wspólne granie — i do każdego dołączona jest lekcja na tej stronie, na której możesz to przećwiczyć.
Dźwięki muzyki (1965): melodia to spacer po gamie
Reżyseria Robert Wise. W piosence „Do-Re-Mi” guwernantka Maria uczy dzieci von Trappów śpiewać, prowadząc z nimi lekcję gamy. Sylaby wspinają się po gamie durowej stopień po stopniu, od Do aż do Ti i z powrotem do Do. Potem piosenka przestawia je w nowe melodie i to jest jej prawdziwy sens: melodia to droga przez stopnie gamy. To solmizacja ruchoma, w której Do jest tym dźwiękiem, który piosenka traktuje jako dom; w krajach solmizacji stałej Do zawsze oznacza ten sam dźwięk. Film luźno opiera się na losach prawdziwej rodziny von Trappów i sporo w ich historii zmienia. Lekcja o gamach buduje ten sam siedmiostopniowy wzór od dowolnego dźwięku.
Amadeusz (1984): komponowanie zaczyna się w uchu
Reżyseria Miloš Forman, na podstawie sztuki Petera Shaffera. Antonio Salieri, uznany kompozytor dworski, opowiada, jak zrozumiał, że muzyka młodego Mozarta jest lepsza od jego własnej. Rywalizacja jest udramatyzowana: nie ma żadnych dowodów, że Salieri skrzywdził Mozarta, a filmowy obraz Mozarta piszącego gotową muzykę bez szkiców należy do legendy, bo jego szkice się zachowały. Film trafnie pokazuje natomiast, do czego zdolne jest wykształcone ucho. Pod koniec Mozart dyktuje część swojego Requiem głos po głosie — bas, partie wokalne, orkiestrę — a Salieri to zapisuje. Obaj słyszą muzykę, która jeszcze nie zabrzmiała, i zamieniają ją w nuty na papierze: to kształcenie słuchu na samym jego krańcu. Lekcja o kształceniu słuchu zaczyna tam, gdzie zaczyna każdy — od odróżniania dwóch interwałów.
Oto Spinal Tap (1984): pokrętło nie sprawia, że dźwięk jest głośniejszy
Reżyseria Rob Reiner. To mockument, fałszywy dokument o fikcyjnym brytyjskim zespole heavymetalowym na katastrofalnej trasie po Ameryce. Najsłynniejszy żart filmu dotyczy dźwięku: gitarzysta z dumą pokazuje wzmacniacz, którego gałki mają skalę do jedenastu zamiast do dziesięciu, przekonany, że dzięki temu gra głośniej. Nie gra. Liczby na pokrętle to tylko etykiety. Głośność zależy od wielkości drgania, czyli od tego, jak mocno głośnik naprawdę porusza powietrze. Lekcja o dźwięku i jego właściwościach oddziela głośność od wysokości i barwy — trzech rzeczy, które ma każdy dźwięk.
Bird (1988): improwizacja idzie za akordami
Reżyseria Clint Eastwood, z Forestem Whitakerem w roli Charliego Parkera, saksofonisty altowego, który w latach 40. razem z Dizzym Gillespiem i innymi współtworzył bebop. Duża część dramatu dotyczy uzależnienia Parkera, a nie jego gry. To, co film pokazuje klub po klubie, to improwizacja jako umiejętność, która ma swoje reguły: solista bebopowy wymyśla melodię na poczekaniu nad progresją akordów, którą zna cały zespół. Wiele bebopowych tematów to zresztą nowe melodie napisane na akordach istniejących piosenek. Kręgosłupem tych progresji jest ii–V–I, czyli ruch, który lekcja „Progresje, których używają wszyscy” nazywa fundamentem jazzu. Improwizowanie nad nim zaczyna się od słyszenia, dokąd zmierza każdy akord.
Szkoła rocka (2003): zespół to zestaw zadań
Reżyseria Richard Linklater. Jack Black gra nieudanego gitarzystę rockowego, który podaje się za nauczyciela na zastępstwie i zamienia swoją klasę uczniów w zespół. To komedia, która nie aspiruje do realizmu, ale jedną rzecz pokazuje trafnie: zespół to nie wszyscy grający melodię, tylko zestaw zadań. Perkusja i bas trzymają rytm i dół harmonii, gitary i klawisze wypełniają akordy, wokaliści niosą melodię. Działa to tylko wtedy, gdy każda partia siedzi na tym samym pulsie — o nim jest lekcja o podstawach rytmu.
Once (2007): piosenki wędrują jako akordy i melodia
Reżyseria John Carney. Dubliński muzyk uliczny i czeska pianistka spotykają się i w ciągu kilku dni wspólnie piszą i nagrywają piosenki. Odtwórcy głównych ról, Glen Hansard i Markéta Irglová, to muzycy, którzy sami napisali te piosenki. Zwróć uwagę na scenę w sklepie muzycznym: on pokazuje jej jedną ze swoich piosenek, ona podąża za akordami na fortepianie i po chwili śpiewają ją na dwa głosy. Tak właśnie większość piosenek przechodzi od muzyka do muzyka: jako krótka pętla akordów z melodią na wierzchu, a nie jako nuty. Lekcja „Progresje, których używają wszyscy” rozbiera na części trzy pętle, które wykonują najwięcej pracy.
O krok od sławy (2013): harmonia to trzymanie własnego dźwięku
Reżyseria Morgan Neville. Dokument o chórzystach, głosach za plecami solistów na słynnych płytach, wśród nich Darlene Love, Merry Clayton i Lisa Fischer; jedna z opowiedzianych historii to głos Clayton w „Gimme Shelter” The Rolling Stones. Rzemiosło chórzysty to harmonia: śpiewanie innego dźwięku niż solista, często tercję nad nim lub pod nim, i trzymanie tego dźwięku, gdy melodia ciągnie gdzie indziej. To słyszenie interwałów na żywo. Lekcja o kształceniu słuchu zaczyna od tercji wielkiej zestawionej z tercją małą, a lekcja o śpiewaniu interwałów prosi, żebyś jeden zaśpiewał.
Whiplash (2014): przyspieszanie czy zwalnianie
Reżyseria Damien Chazelle. Młody perkusista jazzowy w konserwatorium gra pod okiem przemocowego lidera zespołu, a film śledzi, jak daleko chłopak jest gotów się posunąć, by być wielkim. Okrucieństwo jest tu dramatem, a nie metodą nauczania. Weź z tego filmu raczej jego wyczulenie na czas. Lider przerywa próby z powodu drobnych błędów i domaga się odpowiedzi, czy perkusista przyspieszał, czy zwalniał — czy był przed miarą, czy za nią. To dwa kierunki, w które idzie każdy błąd rytmiczny, a wiedza, który jest twój, to pierwszy krok do jego naprawienia. Ćwiczenie „Wystukaj rytm” i lekcja o metronomie mechanicznym mówią ci, czy twoje uderzenia wypadają za wcześnie, czy za późno: to samo pytanie, tylko bez krzyku.
Sound of Metal (2019): dźwięk jest drganiem, zanim zostanie usłyszany
Reżyseria Darius Marder. Riz Ahmed gra Rubena, perkusistę głośnego metalowego duetu, który nagle traci większość słuchu. Lekcją jest tu udźwiękowienie: raz po raz przełącza się między tym, jak brzmi pomieszczenie, a tym, co słyszy Ruben — stłumione i odległe — więc widz traci dźwięk razem z nim. Dźwięk to drganie wędrujące przez powietrze, zanim stanie się czymkolwiek, co słyszysz, a słuch to tylko sposób, w jaki ciało go odbiera. Lekcja o dźwięku i jego właściwościach zaczyna właśnie od tego, od czegoś, co drga.
Tár (2022): do czego służą ręce dyrygenta
Reżyseria Todd Field. Cate Blanchett gra Lydię Tár, szefową czołowej berlińskiej orkiestry, która przygotowuje się do nagrania V Symfonii Mahlera, podczas gdy jej życie się rozpada. Tár jest postacią fikcyjną, osadzoną wśród prawdziwych nazwisk i prawdziwej muzyki. Oglądaj próby pod kątem tego, co robi dyrygent: ustala tempo, zanim ktokolwiek zagra, pokazuje, gdzie zaczyna się każdy takt, i kształtuje, jak głośno i jak szybko idzie każdy fragment. W każdym standardowym schemacie dyrygowania pierwsza miara to ruch w dół, czyli teza, a ostatnia wznosi się ku następnemu taktowi, czyli arsis, dzięki czemu setka muzyków widzi, gdzie jest. Lekcja o podstawach rytmu wyjaśnia, czym jest takt i dlaczego to pierwszą miarę czujesz najmocniej.
Co ćwiczyć po seansie
- Trzymanie tempa (Whiplash, Szkoła rocka, Tár): lekcja o podstawach rytmu, a potem ćwiczenie „Wystukaj rytm”.
- Słyszenie interwałów i harmonii (Amadeusz, O krok od sławy): lekcja o kształceniu słuchu.
- Progresje akordów i improwizacja (Bird, Once): lekcja „Progresje, których używają wszyscy”.
- Czym fizycznie jest dźwięk (Oto Spinal Tap, Sound of Metal): lekcja o dźwięku i jego właściwościach.
- Gamy i melodia (Dźwięki muzyki): lekcja o gamach.